Зелик Виктор Андреевич - признанный мастер станковой акварельной живописи, входит в сотню лучших акварелистов мира.
Выпускник Харьковской академии дизайна и искусств. Акварельной живописью увлекается с детства, а профессионально – последние 20 лет.
Работы художника узнаваемы: одинокая фигура человека под зонтом,музыкант со скрипкой, прохожий рядом с ретро-автомобилем - психологический центр композиции городских пейзажей, заключающих в объятия персонажей вместе с их акварельным одиночеством. Прозрачным и оттого - особенно печальным.
В произведениях Виктора Зелика всегда угадывается какая-то история, иногда не без иронии и тёплого юмора. Визуальное восприятие удивительным образом превращается в распутывание лиричного сюжета, наполненного запахами, чувствами, впечатлениями... Редкое качество для художника - создание такой живой атмосферы.

Серия картин "Музыканты

 

Вы все неверно поняли... Музей обмана зрения на Чечжу.

В мире много картин, которые, казалось бы, известны даже дилетантам от искусства, но при этом истолковывают эти картины совершенно неверно порой даже авторитетные искусствоведы. В этом обзоре десятка картин, в которые их создатели вложили более глубокий смысл, чем может показаться с первого (а порой даже со второго) взгляда.

1. Счастливые возможности качелей

Картина «Счастливые возможности качелей», худ. Жан Оноре Фрагонар.

Эта знаменитая картина эпохи рококо даже была показана в «Холодном сердце» Диснея. Тем не менее, Фрагонар явно вкладывал в свою работу более глубокий смысл, чем Дисней. На картине изображена молодая женщина, которую раскачивает на качелях в романтическом саду пожилой мужчина. Этот мужчина явно не подозревает о присутствии молодого любовника девушки, который наблюдает за ними из кустов.

Мало того, что молодой человек смотрит прямо под платье женщины, так еще все действо происходит на фоне розовых кустов, которые в искусстве эпохи рококо были классическим символом женской сексуальности. Кроме того, молодой любовник засунул свою шляпу в кусты. Это может показаться странным, но в то время мужская шляпа часто использовалась, чтобы скрыть эрекцию. Таким образом, шляпа в кустах - довольно вопиющий каламбур.

Еще одна подсказка - женская туфелька, которая была сброшена с ноги во время раскачивания. Уже в течение многих веков голые ноги или лодыжки ассоциируются с сексуальными желаниями. Хотя «Качели» - бесспорно красивый образ, стоит узнать его историю перед тем, как начать показывать его в детских мультфильмах.

2. Завтрак на траве

Картина «Завтрак на траве», худ. Эдуард Мане.

Женская нагота довольно часто встречалась в классическом искусстве. Но даже в то время, когда рискованные художники осмеливались рисовать женщин во всей их обнаженной красе, работа Мане выделялась среди остальных. На этом шедевре импрессионизма изображен пикник двух полностью одетых мужчин с обнаженной женщиной, смотрящей на зрителя (а на заднем плане есть еще одна полностью одетая женщина). Изображение было уникальным в этом отношении, поскольку вплоть до того момента обнаженными, как правило, изображали богинь, таких как Венера или Афродита.

Мане же нарисовал обычную женщину легкого поведения, и он стремился изображать женщин не как бессмертных небожителей, а как вполне смертных и материальных существ. Но картину ассоциировали с проблемой необузданной проституции, с которой Франция столкнулась в то время. Когда полотно было представлено жюри Парижского салона 1863 года, оно было встречено насмешками и критикой. Картину Мане отвергли, поскольку ее смысл был полностью неверно истолкован.

3. Олимпия

Картина «Олимпия», худ. Эдуард Мане.

Очень похожая на «Обед на траве», «Олимпия» Мане также изображает обнаженную проститутку, и поэтому она немедленно столкнулась с критикой и отвращением со стороны арт-сообщества. Женщина на полотне смотрит прямо на зрителя самым «бесстыдным и сексуальным образом». Критики предпочли полностью игнорировать настоящие темы, которые хотел передать Мане, рисуя реалистичные парижские сцены.

Фактически, они были настолько поглощены игнорированием намерений Мане, что почти не замечали на картине присутствия темнокожей служанки, которая, как считается в наше время, создает контраст света и темноты. Но Мане просто не мог убедить современное ему общество в своих истинных намерениях.

Акварельные рыбки. Автор: Ching Keck How.

Используя традиционную китайскую технику живописи, сингапурский художник Чин Кек Как (Ching Keck How) создаёт нежнейшие акварели на рисовой бумаге. Естественные цвета, лёгкие линии, прозрачные мазки и, казалось бы, простые образы: воробьи на ветках бамбука, карпы и сомы в зеленоватых водах древнего пруда – всё это (по китайским поверьям) приносит в дом изобилие, плодородие и благополучие.

Традиционная китайская живопись символична и иносказательна. И если картины европейских художников зритель привык рассматривать, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Стараясь передать сущность предметов, лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнув все её тайны, китайские живописцы вкладывали не только душу в каждую работу, но и нескончаемый поток мыслей, чувств и знаний. Вот и работы Чина – короткие истории, рассказывающие о поверьях и традициях древнего народа.

Сомы в пруду. Автор: Ching Keck How.

Синие птички - вестники удачи. Автор: Ching Keck How.

Воробьи. Автор: Ching Keck How.

Воробей – символ человеческой привязанности, плодовитости и изобилия. Автор: Ching Keck How.

Иван Славинский - современный известный русский художник

Петербургский художник, владелец галереи «SLAVINSKY PROJECT» - Иван Славинский, по мнению критиков, считается одним из самых дорогих современных русских художников. В этом обзоре рассказ о том, как происходило его становление, поиск своего почерка в живописи и, конечно, картины этого замечательного мастера.

Город на закате дня. Автор: Иван Славинский

Иван Славинский родился в 1968 году в Ленинграде. Отец - художник-баталист Дмитрий Обозненко передал по наследству сыну художественный дар живописца. В 5-летнем возрасте мальчик уже хорошо владел карандашом и красками. Первые навыки в изобразительном искусстве Иван получил в художественной школе при Академии Художеств. Отец очень критично относился к первым работам сына. Но вскоре начал доверять Ивану прописывать на краешках своих полотен небольшие детали. А позже понял – сын очень талантлив, и сам может творить.

Огни ночного города. Автор: Иван Славинский

В период становления молодого художника его относили то к реалистам, то к постмодернистам, то к сюрреалистам: очень сложно было, глядя на ранние работы Славинского, сказать, что это рука одного и того же мастера. И лишь спустя годы, собрав воедино на полотно все эти стили и техники искусства, он создал свою манеру, свой неповторимый уникальный почерк.

Зима. Автор: Иван Славинский

На первой своей выставке в 1991 году, устроенной в галерее «Товарищества Свободных Художников», Иван был признан и зрителями, и художественными критиками. Обладатель уникального живописного таланта сразу же стал известным и узнаваемым в городе на Неве, а позже и в самой Москве.

Натюрморт с парусником. Автор: Иван Славинский

Однажды, поехав с женой по 4-дневной туристической визе во Францию на новогодние праздники, задержался там на целых десять лет, из них почти 2 года жил с просроченной визой. Первое время они с женой гостили у друга в крошечной комнатушке с видом на Эйфелеву башню. Потом жили на неоконченной стройке, ночуя на нарах, сколоченных из досок.

Парижанка. Автор: Иван Славинский

Художник постепенно начал зарабатывать на жизнь живописью: сдавал на реализацию свои работы в небольшую галерею. Как оказалось, хозяйка этой галереи хорошо знала творчество художника - видела его работы на Невском. Сотрудничество было плодотворным и приносило деньги. Супруги смогли даже снять небольшую квартиру. Воодушевленный художник начал писать в разных стилях, что сразу же стало непонятно наивным французам: как это возможно, чтобы живописец мог одновременно писать в нескольких техниках. Так уж работы Ивана по манере и стилю были различны между собой.

 

 

 

 

4 апреля знаменитому советскому кинорежиссеру и сценаристу Андрею Тарковскому исполнилось бы 88 лет, но еще в 1986 г. он ушел из жизни. Одной из самых известных его киноработ стал фильм «Зеркало» с Маргаритой Тереховой в главной роли. Большинству зрителей она была знакома как Миледи из «Трех мушкетеров» и Диана из «Собаки на сене», и немногие знают о том, что ее называли «актрисой Тарковского», а сама она считала встречу с этим режиссером одним из самых главных событий своей жизни. Что же их связывало на самом деле?

Арсений Тарковский с сыном Андреем | Фото: mif-medyza.ru

Для Андрея Тарковского этот фильм был автобиографичным, своеобразной исповедью, построенной на сложных ассоциативных рядах и образах, череде снов и воспоминаний, где он проводил параллели между собой и своим отцом – разводом родителей, послевоенным детством, собственным разводом. Главный герой мучительно боится потерять понимание близких – жены, матери и сына, и, пытаясь сохранить семью, обращается к воспоминаниям детства, стремясь найти в них ответы на свои вопросы и оправдание своим переживаниям. В первом варианте сценарий так и назывался – «Исповедь». Сложные отношения с родителями не отпускали режиссера, вели его к осмыслению прошлого, и сценарий строился на его воспоминаниях о детстве и о семье. За кадром звучал голос его отца, мать приняла участие в съемках.

Олег Янковский в роли отца героя | Фото: mif-medyza.ru, kino-teatr.ru

Маргарита Терехова и Мария Вишнякова – мать Андрея Тарковского на съемках фильма | Фото: rg.ru

Старая Вена в акварелях Ричарда ПокорныРичард Покорны (Richard Pokorný), (1907-1997), - австрийский художник-акварелист чешского происхождения.

Слышно отзвуки «Флейты волшебной»,
Моцарт снова играет для нас…
И сплетается ритм вдохновенно,
Унося много судеб и фраз.
Замечталась красавица Вена
И дрожит, словно скрипка в руках.
Сквозь века она слышит Шопена,
Растворяясь в своих облаках. (Евгения Солод)
Волшебно, с фотографической чёткостью и любовью. 

(В.Мамонова)

Пионы

Чарльз Кортни Каран (Charles Courtney Curran,1861 — 1942) - известный американский художник-импрессионист. Он родился в Хартфорде, штат Кентукки, в 1861 году. Чарльз очень рано проявил интерес и способности к искусству. В 1881 году он переехал в Цинциннати (штат Огайо) и поступил в Академию изящных искусств. В 1882 году Чарльз переезжает в Нью-Йорк, где поступает в Национальную академию дизайна. Это стало началом его блестящей карьеры в искусстве.

В центре творчества Чарльза Карана — женщины,цветы и дети. Он посвятил свою жизнь их изображению при ярком дневном свете на открытом воздухе. «Какой нормальный человек может созерцать цветущий сад или склон холма,который природа украсила полевыми цветами,не испытывая при этом радости?» — писал он. Его целью,как художника,было передать эти эмоции на холсте.

Карьера Чарльза Кортни Карана достигла вершины в 80 - 90-х годах ХIХ века, когда французский импрессионизм изменил мир искусства. Картины ожили, благодаря внешнему освещению и цвету, и американские художники откликнулись на инновации импрессионизма. Они, как и французы,старались отразить мимолётные эффекты окружающей среды, но при этом были более аккуратны в сохранении рисунка и композиции.

В первые десятилетия XX века Каран стал высокоуважаемым лидером художественной колонии, которая находилась в городе Крагсмур — в живописной Долине реки Гудзон. Он написал множество портретов женщин, чьи силуэты выделяются на фоне сияющего неба или в поле, в саду, в окружении пышно цветущих растений. Эти задумчивые образы полны оптимизма и благодати. Каран искал идеал американской женщины, отражал и совершенствовал его в своих картинах.

«Картины Чарльза Кортни Карана в первую очередь прекрасны, — говорит критик, искусствовед, куратор Музея искусств Weatherspoon, Will South. — Он с непревзойдённым мастерством писал изумрудные холмы, небо, полное прозрачных облаков, и женщин, излучающих свет. Глядя на его картины, мы одновременно испытываем восхищение и поражаемся великолепию женской красоты».

Полотна художника находятся в крупнейших музейных собраниях США,в том числе — в Художественном институте в Чикаго,Музее изобразительных искусств Сан-Франциско, Музее Метрополитен и Смитсоновском музее американского искусства, Музее искусств Колумбии.

Дама с букетом. Жена художника с цветами калины

Голубой шпорник

 

В фильме режиссера Марка Бреста ”Запах Женщины” главный герой Фрэнк Слэйд - слепой мужчина (которого превосходно сыграл непревзойденный Аль Пачино) способен был описать внешность женщины лишь по запаху! Но это кино, а в реальности? Оказывается, на земном шаре есть такие люди, лишившиеся по разным причинам возможности видеть мир здоровыми глазами, но не утратившие способности жить и даже творить!

Зрение - одно из важных чувств человека. Глазами мы созерцаем окружающий мир, видим, оцениваем, выбираем и даже “чувствуем”. Через глаза мы считываем информацию, которая помогает жить. Поэтому потеря зрения расценивается как инвалидность. Но в мире есть и были люди, которые несмотря на”вечную тьму” нашли смысл и научились жить в границах физической слепоты. Более того, принесли пользу миру, сделали сенсационные открытие и свершения. Плохое зрение или слепота не стали у них преградой на пути достижения высот.

Хелен Келлер

В 1880 году в городе Таскамбия (США) родилась девочка, которую назвали Хелен. Она могла бы расти здоровым ребенком, если бы в 11 месяцев с ней не произошла трагедия. Хелен переболела менингитом и потеряла зрение и слух. Чтобы как-то “сгладить” непредвиденную инвалидность дочери родители старались во всем ей потакать и жалеть. “Заласканная” Хелен росла изнеженной и совершенно не коммуникабельной личностью почти до 6 лет.

Грустное начало жизни Хелен Келлер имеет продолжение, которое рушит все стереотипы того времени насчет слепых детей. Тогда их буквально прятали дома или отдавали в приют. Но Хелен выучилась на дому, благодаря своей учительнице Анни Салливан, ставшей ее спутницей до самой своей смерти.

В дальнейшем Хелен Келлер писала, что отличие зрячих и слепых людей “не по числу доступных чувств, а по тому, как мы их используем”. Несмотря на полную потерю зрения и слуха Хелен вела активную деятельность: стала писательницей и политической активисткой и считается одной из самых знаменитых женщин мира.
 

Стиви Уандер

Стиви Уандер родился уже слепым, но это не поешалоему стать известным композитором и музыкантом. В 8 лет Стиви уже освоил игру на губной гармошке, ударных инструментах, органе и фортепиано, а в 11 подписал свой первый контракт с Motown Records. По сей день слепой Стиви Уандер входит в списки самых лучших вокалистов всех времен. Он является двадцати пяти кратным лауреатом премии “Грэмми” - рекордное число! И выпустил более тридцати успешных альбомов. Кстати, именно Стиви Уандер стал основоположником жанра музыки соул.
 

Дэвид Кларк

Сто сорок четыре матча и сто двадцать восемь забитых мячей! И это все “дело рук” слепого футболиста Дэвида Кларка. Девятикратный чемпион Паралимпийских игр родился полностью слепым, но это не остановило его на пути к успеху.

Отречься от забот и суеты, Забыв дворов и улиц лабиринты, Бежать туда, где поле и цветы, И верить, что на всей земле один ты… Лицо подставить теплому лучу, Сонату трав подслушав ненароком. Припасть губами к чистому ключу - И поцелуй притронется к истокам… И тишину в ладонях удержать, Сберечь покой, дарованный однажды, И все земное, сущее принять, Где даже мелочь говорит о важном. И обрести неповторимый мир, Едва-едва начертанный штрихами, И тронуть струны тех заветных лир, Чей вздох прольется новыми стихами.

Владимир Соляр, 1982

Ольга Абрамова родилась в 1976 году в Москве. В 1996 году окончила Московское Художественное училище Прикладного Искусства имени Калинина (МХУПИ), специальность - художник по тканям. В 2000 году окончила Московский Государственный Открытый Педагогический Университет, художественно графический факультет. Диплом был выполнен в технике пастельной живописи. С тех пор пастельная техника является основным и любимым стилем рисования. Участник многих персональных и групповых выставок в России и за рубежом. Автор статей о живописи в технике пастель. С 2001 года является членом Международного Художественного Фонда (МХФ).