Очарование деревенского окошка на картинах Владимира Жданова

Владимир Жданов - современный художник, который черпает вдохновение в любовании родной природой и незамысловатой деревенской жизнью. Его картины очаровательны в своей простоте: идиллические пейзажи, яркие натюрморты, зарисовки о крестьянском быте. От его работ веет теплом и спокойствием, полузабытыми воспоминаниями о каникулах, проведенных у бабушки, или о студенческих поездках "на картошку".

Русская деревня на картинах Владимира Жданова

Идиллические пейзажи русской деревни

Есенин называл себя "последним поэтом деревни", но упоение деревенской "темой" не прошло в искусстве и по сей день. Творчество Владимира Жданова тому подтверждение. Мы не будем сравнивать силу поэтического дарования, но все же очевидно одно - мастер вкладывает в свои картины искренние чувства и переживания, стремясь передать средствами художественной выразительности едва уловимые запахи и звуки. Это и повисшая тишина в жаркий полдень, и монотонное жужжание пчелы над букетом полевых цветов, и теплое бухтение самовара у окошка хаты, и журчание воды в колодце… Каждая картина художника оживает, стоит лишь забыть о суете и предаться благостным раздумьям.

Цветы и травы на картинах Владимира Жданова

Естественная красота цветов

Лобович Игорь
,,Нара зимой,,
холст масло 60*40

,,Раннее зимнее утро,, холст масло 60*40

,Подмосковная зима,, холст масло 60*40

Лобович Игорь
,,Солнце в декабре,,
холст масло 40*30 с

Лобович Игорь
,,В морозной дымке,,
холст масло 60*40 см.

Дождь на улицах города. Автор: Kal Gajoum.

Пожалуй, Кал Гаджум (Kal Gajoum) – один из немногих художников, чьё творчество напоминает поэзию, которую хочется читать бесконечно долго, углубляясь в лирические строки под звук дождя или тихую мелодию ветра и скрипки. Его картины – настоящие иллюзии, сотканные из размытых силуэтов, разноцветных зонтиков, ночных огней, ароматного вина и залитых дождём улиц, по которым непременно хочется пройтись, кутаясь в плащ с высоким воротником…

Несмотря на то, что критики обвиняют Кала в однообразии его работ, тем не менее, каждая из его картины интересна и уникальная по-своему. Такое впечатление, что ему удалось не только передать царящую вокруг атмосферу, но и вдохнуть жизнь, сделав сюжет поистине реалистичным и насыщенным. Используя вместо кисти мастихин, мазок за мазком он заполняет холст деталями, ловко превращающимися в городские пейзажи и людей, чаще всего спешащих по своим делам. И даже отсутствие яркой цветовой палитры не делает изображения тусклыми и унылыми, а напротив - придаёт им некую таинственную интригу. Ещё немного и всё происходящее растворится подобно иллюзии в каплях дождя, или же оживёт и завертится подобно карусели...

Аромат воспоминаний. Автор: Kal Gajoum.

Зимний вечер. Автор: Kal Gajoum.

После дождя. Автор: Kal Gajoum.

Набережная. Автор: Kal Gajoum.

Менская княжна София

О роли женщин в средневековой истории мы знаем достаточно мало, оттого так ценны имена, которые дошли до наших дней. Одной из знаковых фигур в Европе XII века была София менская, внучка польского князя, судьба которой сложилась неординарно – она стала датской королевой. В Беларуси о ней вспоминают чаще всего только в научных кругах, а вот в Дании ее чтят и помнят до сих пор…

Реконструкция, как могла бы выглядеть княжна София.

София родилась около 1140 года предположительно в Менске, который в то время был удельным Полоцким княжеством. Ее отцом был князь Болеслав Кривоустый. В 17 лет княжну выдали замуж за датского короля Вольдемара I, в браке у них родилось шесть дочерей и двое сыновей. Оба сына взошли на датский престол – вначале Кнут IV, а после его смерти – Вольдемар II. Одна из дочерей стала шведской королевой.

Надгробная плита с именами датских монархов.

Сама же София правила Данией в статусе консорта: поскольку она была иностранкой, полнотой власти обладать не могла, но в то же время ее муж был полноправным королем. После его смерти формально власть перешла сыну Кнуту IV, и до достижения им совершеннолетия София, овдовевшая в 40 лет, руководила Данией, контролировал ее работу Королевский Совет.

Менская княжна София.

Деятельность Софии заслуживает уважения, поскольку Дания в тот период была сильной страной, которая занимала значительную территорию. София пользовалась уважением, поскольку была умна, знала много языков. София дважды была замужем, ее вторым супругом стал Людовик, граф Тюрингии. Брак был недолгим, поскольку Людовик вскоре после женитьбы отправился в Крестовый поход в Палестину, и там погиб.

 

В наше время имя Алены Киш хорошо известно исследователям наивного искусства. Ее называют выдающейся художницей своего времени, ей посвящают выставки, научные статьи и исследования, по мотивам ее работ создают модные аксессуары… Однако при жизни Алена Киш страдала от невозможности раскрыть свой талант, от нищеты и насмешек, а ее шедевры радовали разве что коров – ведь ее расписными «райскими» коврами выстилали полы в хлеву…

Единственное фото Алены Киш и фрагмент ее ковра.

Сведений о художнице сохранилось немного. Нет даже ее прижизненных изображений, кроме одной, мутноватой и выцветшей паспортной фотографии. Она родилась в деревне Романово Слуцкого уезда в последние годы XIX века, в многодетной крестьянской семье. Нельзя сказать, что Алена сильно выделялась среди своих родных – все в семье любили рисовать и слыли хорошими мастерами-ремесленниками. Старший брат Алены, например, был известным плотником и занимался реставрацией росписей Варваринской церкви. А отец Алены всегда был готов побаловать любимую дочь красивым новым платьем, пусть даже это означало, что ему придется трудиться в разы больше и тяжелее – ведь в жизни должно быть место радости и красоте… Однако Алена не просто развлекалась рисованием и не просто любила красивые вещи. У нее был талант, призвание, дар – непонятый и не принятый окружающими. Художница была чистым и добрым человеком, любила петь, знала множество народных песен, любила животных, однако о ней шла слава «юродивой».

В райском саду.

После смерти родителей братья и сестры Киш жили в Слуцке, после войны оказались в деревне Грозово. Алену открыто недолюбливали односельчане – как она может в такое тяжелое время, когда семья голодает, баловаться какими-то рисунками! Нет бы трудиться до седьмого пота. Однако работа в колхозе Алене была не по душе, а ее уже открыто называли нахлебницей… Так Киш и начала скитаться по деревням в поисках пропитания – в обмен на свои расписные ковры, которые в Беларуси называли «маляванками». Расписные ковры были в те годы популярны. Они скрашивали суровый крестьянский быт в нелегкие годы коллективизации, украшали стены и защищали от холода. И художница стучала то в одни двери, то в другие в поисках заказчиков.
Она никогда не брала денег. Немного хлеба или картошки, крыша над головой – хотя бы на одну ночь. Ночь, за которую можно создать шедевр.

Райский сад. Такие ковры в деревнях вешали над кроватью.

Алена была, по-видимому, одной из немногих, если не единственной женщиной, занимавшейся росписью ковров в те годы. Она писала по льняному полотну, часто сшитому из отдельных кусков. Она обрызгивала холст водой, намечала карандашом эскиз и начинала писать. Писала она, по-видимому, дешевыми анилиновыми красками, которые со временем рассыхались и осыпались. Поэтому хозяева и «ссылали» ее ковры куда-нибудь подальше. Сперва их, яркие и радостные, вешали над кроватями – этот обычай до сих пор распространен в деревнях Беларуси, России и Украины.

Райский сад.

Тропические леса, люди, отдыхающие на водах, девушки, пишущие письма возлюбленным среди экзотических цветов и деревьев, невиданные звери и птицы… Образы народного искусства перемешивались с фантастическими, порожденными воображением художницы. Ковры Алены зачаровывали обещанием прекрасного будущего, пусть и посмертного – самым любимым сюжетом и у нее, и у заказчиков, был рай. Некоторые даже считали, что эти ковры приносят в дом счастье, особенно – молодым незамужним девушкам.

 

Микалоюс Чюрленис за недолгие тридцать шесть лет словно прожил несколько жизней. Композитор, художник, мыслитель, педагог, гипнотизер… и несчастный, запертый в стенах психиатрической клиники. Ранимый, погруженный то в мечтания, то в глубокую депрессию, он оставил глубокий след в литовской культуре.

Чюрлениса относят к символистам, но его живопись вне любого направления.

 

Рай в изображении Чюрлениса.

Он родился в 1875 году в немецко-литовской семье. Его отец был крестьянского происхождения, мать происходила из семьи евангелистов, бежавших от религиозных преследований в Германии. Отец увлекался игрой на органе, и Микалоюс с шестилетнего возраста начал иногда подменять его в качестве органиста во время церковных служб. Сперва отец обучал его сам, но вскоре решил, что мальчику нужны настоящие учителя. Несколько лет Чюрленис занимался в оркестровой школе М.Огиньского, затем отправился в варшавский Музыкальный институт и окончил его с отличием.

Ангел.

Записи Чюрлениса тех лет показывают, что музыка была не единственной его страстью. Этот юноша, под маской спокойствия и скромности прятавший живой ум и горячее сердце, в годы учебы увлекался одновременно геологией, химией, историей, геометрией, культурами древних цивилизаций, философией, языками (как мертвыми, так и поныне существующими), восточными религиями, геометрией, физикой, астрономией… Невероятно широкий кругозор впоследствии стал основой его музыкального, художественного и философского творчества.

В работах Чюрлениса можно заметить образы древних цивилизаций.

Мистические зиккураты, вдохновленные древними культурами.

После Варшавы Чюрленис оказался в Лейпцигской консерватории – сначала в качестве студента, а затем – преподавателя. В Лейпциге Чюрленис в возрасте двадцати семи лет переживает первый задокументированный душевный кризис.

Живопись Чюрлениса.

Живопись Чюрлениса.

Частью творческого наследия Чюрлениса стали его дневники – подробные, содержащие размышления автора о жизни, о его страданиях и радостях, о тягостных размышлениях и духовном опыте. Они сохранились лишь частично, как и его переписка с братом и друзьями. Тексты Чюрлениса часто полны мрачных, минорных оттенков, отражающих настороженное отношение автора к действительности и неуверенность в своих силах.

В работах Чюрлениса часто присутствуют образы злого рока, фатума.

Иными глазам **Делала пост о гениальном художнике....но то -был другой ракурс,другая тема........  

Адольф-Вильям Бугро. Автопортрет./ «Итальянский мальчик с куском хлеба».

Адольф-Вильям Бугро (Бугеро) (1825-1905) - один из самых талантливейших французских художников 19 века, крупнейший представитель салонного академизма, написавший более 800 полотен. Но так вышло, что его имя и гениальное художественное наследие подверглись жесточайшей критике и почти на целый век были преданы забвению.

Вильям Бугро. Автопортрет. Автор: William Bouguereau.

Во французском портовом городке Ла Рошель, невдалеке от легендарного Форта Бойяр в 1825 году в семье торговца вином Теодора Бугеро родится мальчик, имя которого будет стоять во главе французской живописи почти до самого конца 19-го столетия.

 

«Женщина из Червара и ее ребенок». Автор: William Bouguereau.

Одаренность будущего художника в полной мере проявилась еще в начальной школе: все его тетрадки были буквально изрисованы рисунками и различными набросками. Но из-за финансовых проблем в семье совсем юный Вильям был отдан на попечение 27-летнему дяде Южену, который привил юному дарованию интерес к философии, литературе, мифологии и религии.

«Молодая мать, наблюдающая за спящим ребенком». Автор: William Bouguereau.

В 14 лет одаренный подросток поступает в колледж. А спустя пять лет 19-летнего юношу ожидает первый творческий успех: его удостаивают награды «Лучшая историческая живопись».

В это время Вильям начинает мечтать о Париже и непосредственно о Высшей школе изящных искусств. Но для этого необходимы были немалые деньги, и он их зарабатывал тем, что рисовал портреты прихожан церкви и этикетки для джемов.

Юный Иоанн Креститель. Автор: Адольф Вильям Бугро.

Вскоре мечта сбылась, и Вильям Бугро стал одним из лучших учеников этой школы. Стремясь дополнительно познать как можно больше о своей будущей профессии, он занимается на курсах по истории костюма, изучает археологию и принимает участие в анатомических вскрытиях.

«Юный флейтист». Автор: William Bouguereau.

Все это и сформировало его как академического живописца. В 1850 году начинающий художник выигрывает Римскую премию и получает грант на годовое обучение в Италии, где постигает азы классического искусства, знакомится с гениальными творениями великих мастеров Возрождения и приобретает собственное признание.

«Итальянский мальчик с куском хлеба». Автор: William Bouguereau.

А когда живописец вернулся в Париж, его популярность уже не знала границ.
Над своими творениями Бугро работал, не покладая рук. Он с раннего утра приходил в свою мастерскую, а домой уходил за полночь. Как и всем великим художникам, ему было присуще постоянное недовольство собой и неуемное стремление к совершенству. За это современники дали ему прозвище «Сизиф 19-го века».

 

Выходец из Казанской художественной школы, один из лучших учеников Ильи Репина, прославленный во всем мире портретист и успешный американский импрессионист. Все это об одном художнике – Николае Фешине. В какой-то момент он решил жить и работать в США, достигнув там высоких показателей как в творчестве, так и в жизненном благоустройстве. Но, оставшись к старости одиноким, он пришел к выводу, что нельзя покидать Родину. Потому как на чужбине всякий человек не живет, а лишь физически существует.

Чудесное исцеление

Фешину часто позировала дочь. /Фото: s018.radikal.ru

Николай Фешин воспитывался в семье довольно известного резчика иконостасов в Казани. В четырехлетнем возрасте мальчика одолел менингит, повлекший за собой кому. Врачи посчитали медицину бессильной, и посоветовали родителям готовиться к любому исходу. Но Николай чудом выжил, оставаясь при этом долгое время слабым ребенком. Вынужденно находясь дома, он начал рисовать. В 9 лет он уже работал в отцовской мастерской, готовя эскизы и исполняя собственные задумки.

«Женщина с сигаретой». /Фото: i.pinimg.com

Несмотря на то, что Фешин-старший был талантливым мастером, неоднократно удостоенным за свои работы медалей и дипломов, он постепенно разорился и влез в долги. Будущему художнику приходилось туго, но он закончил публичную школу, кое-как обеспечивая себя разовыми заработками. В 1895-м в Казани открылась художка, и Николай вошел в первый ученический состав. Вскоре родители расстались и разъехались, оставив 14-летнего юношу в городе одного. Не отчаиваясь, Фешин выдержал и это испытание. В 1900 году талантливый выпускник художественной школы отправился покорять Императорскую Академию художеств в Санкт-Петербурге.

Заграничная популярность при жизни в России

«Портрет Вари Адоратской», 1914. /Фото: img-fotki.yandex.ru

На вступительных экзаменах Фешин показал второй результат. Здесь его ведущим учителем стал Илья Репин. Еще до окончания Академии Николаю предложили преподавать в Казанской художке, где ему выделили персональную мастерскую для работы над дипломной конкурсной картиной. До самой женитьбы Фешин не просто работал, а жил в школьной мастерской. В этот период он увлекся портретом. Ему позировала состоятельная ученица Надежда Сапожникова. После отправки работы в Питсбург, Фешина настиг небывалый успех. Тамошняя пресса назвала его портрет одним из лучших на выставке, при том, что среди участников присутствовали именитые французские импрессионисты. Работа Фешина была продана сразу же. К слову, сегодня этот портрет находится в калифорнийской коллекции Художественного музея.
Русский этюд. /Фото: img-fotki.yandex.ru

Вскоре работы Фешина начали выставляться в Мюнхене, Амстердаме, Риме, Венеции. Особенно его почерк полюбился ценителям изобразительного искусства США. Регулярное участие в американских выставках помимо признания принесло ему стабильную финансовую поддержку. Ценили Фешина и на Родине. Он, единственный признанный художник из периферийщиков, был удостоен звания действительного члена Императорской Академии художеств. Этот титул в дореволюционной России являлся высшим признанием талантов и заслуг художников. Правда, с приходом Первой мировой ситуация изменилась, прекратились и регулярные связи с заграницей.

Поволжский голод как повод

Русская зима в исполнении Фешина. /Фото: data18.i.gallery.ru

В 1921 Поволжье накрыл катастрофический голод, жестокий по своим масштабам и последствиям. В это время Фешин заведовал учебной частью художественной школы в Казани.

Параллельно он сотрудничал с казанским отделом народного образования, в качестве художника разрабатывая типовые декорации для представлений рабоче-крестьянского театра, был главным оформителем постановки нашумевшей оперы «Кармен» в местном оперном театре. Кроме того, Фешин получал заказы на портреты Владимира Ленина, Карла Маркса, наркома просвещения Анатолия Луначарского.

«Дама в лиловом». /Фото: lermontovgallery.ru

 

Она была одной из самых заметных и значимых фигур Серебряного века, но при этом сама не занималась творчеством. У княжны Саломеи Андрониковой было совершенно другое предназначение: вдохновлять поэтов и художников, быть хозяйкой литературного салона, блистать в обществе. Судьба подарила Саломее Андрониковой множество ярких встреч и незабываемых впечатлений, но княжна в конце жизни призналась: она совершила одну непоправимую ошибку.

Блистательная Саломея

Саломея Андроникова. / Фото: www.wikimedia.org

Она появилась на свет в 1888 году в Тифлисе, который любила до конца своей жизни. Однако Саломее Андроникашвили суждено было стать звездой совсем другого города. Дочери кахетинского князя Нико Захарьевича Андроникашвили было 18 лет, когда она вместе с кузиной Тинатин Джорджадзе отправилась в Петербург поступать на Бестужевские курсы.

Квартира, в которой жили сёстры в Северной столице, очень скоро превратилась в литературный салон, где любили бывать лучшие представители творческой интеллигенции: поэты и писатели, художники и актёры.

Зиновий Пешков. / Фото: www.wikimedia.org

Знакомство с Зиновием Пешковым, родным братом Якова Свердлова и приёмным сыном Максима Горького, вполне могло бы закончиться браком, однако родители девушки сочли бедного юношу совершенно неподходящей партией для дочери. Саломея особенно противиться не стала и по благословению отца и матери вышла замуж за вдовца Павла Семёновича Андреева, крупного торговца чаем и табаком, который был старше невесты на 18 лет.

Муза Серебряного века

Портрет С. Н. Андрониковой-Гальперн. Работа кисти Зинаиды Серебряковой. / Фото: www.artchive.ru

К сожалению, супруг Саломеи Андрониковой был не только богат, но ещё и слишком любвеобилен. Предметом его мужских притязаний становились едва ли не все девушки, попавшие в поле его зрения. Не стала исключением даже младшая сестра жены Мария. Саломея не собиралась долго мириться с таким положением вещей. В 1911 году на свет появилась дочь супругов Ирина, в 1915 Саломея и Павел Семёнович уже не жили вместе, а развод, благодаря которому Андроникова получила квартиру и приличную сумму отступных, они оформили несколько позже.

Княжна Андроникова по-прежнему оставалась хозяйкой литературного салона. Она не писала музыку, не имела никакого отношения к театру или литературе, однако была той, кого называли музой и вдохновительницей.

Художники почитали за честь написать портрет несравненной Саломеи, а работы кисти Зинаиды Серебряковой, Василия Шухаева, Савелия Сорина, Кузьмы Петрова-Водкина и других портретистов стали настоящими шедеврами. Благодаря Осипу Мандельштаму она получила трогательное поэтическое прозвище Соломинка и стихотворение с таким же названием, ей посвящённое.

Зелик Виктор Андреевич - признанный мастер станковой акварельной живописи, входит в сотню лучших акварелистов мира.
Выпускник Харьковской академии дизайна и искусств. Акварельной живописью увлекается с детства, а профессионально – последние 20 лет.
Работы художника узнаваемы: одинокая фигура человека под зонтом,музыкант со скрипкой, прохожий рядом с ретро-автомобилем - психологический центр композиции городских пейзажей, заключающих в объятия персонажей вместе с их акварельным одиночеством. Прозрачным и оттого - особенно печальным.
В произведениях Виктора Зелика всегда угадывается какая-то история, иногда не без иронии и тёплого юмора. Визуальное восприятие удивительным образом превращается в распутывание лиричного сюжета, наполненного запахами, чувствами, впечатлениями... Редкое качество для художника - создание такой живой атмосферы.

Серия картин "Музыканты

 

Вы все неверно поняли... Музей обмана зрения на Чечжу.

В мире много картин, которые, казалось бы, известны даже дилетантам от искусства, но при этом истолковывают эти картины совершенно неверно порой даже авторитетные искусствоведы. В этом обзоре десятка картин, в которые их создатели вложили более глубокий смысл, чем может показаться с первого (а порой даже со второго) взгляда.

1. Счастливые возможности качелей

Картина «Счастливые возможности качелей», худ. Жан Оноре Фрагонар.

Эта знаменитая картина эпохи рококо даже была показана в «Холодном сердце» Диснея. Тем не менее, Фрагонар явно вкладывал в свою работу более глубокий смысл, чем Дисней. На картине изображена молодая женщина, которую раскачивает на качелях в романтическом саду пожилой мужчина. Этот мужчина явно не подозревает о присутствии молодого любовника девушки, который наблюдает за ними из кустов.

Мало того, что молодой человек смотрит прямо под платье женщины, так еще все действо происходит на фоне розовых кустов, которые в искусстве эпохи рококо были классическим символом женской сексуальности. Кроме того, молодой любовник засунул свою шляпу в кусты. Это может показаться странным, но в то время мужская шляпа часто использовалась, чтобы скрыть эрекцию. Таким образом, шляпа в кустах - довольно вопиющий каламбур.

Еще одна подсказка - женская туфелька, которая была сброшена с ноги во время раскачивания. Уже в течение многих веков голые ноги или лодыжки ассоциируются с сексуальными желаниями. Хотя «Качели» - бесспорно красивый образ, стоит узнать его историю перед тем, как начать показывать его в детских мультфильмах.

2. Завтрак на траве

Картина «Завтрак на траве», худ. Эдуард Мане.

Женская нагота довольно часто встречалась в классическом искусстве. Но даже в то время, когда рискованные художники осмеливались рисовать женщин во всей их обнаженной красе, работа Мане выделялась среди остальных. На этом шедевре импрессионизма изображен пикник двух полностью одетых мужчин с обнаженной женщиной, смотрящей на зрителя (а на заднем плане есть еще одна полностью одетая женщина). Изображение было уникальным в этом отношении, поскольку вплоть до того момента обнаженными, как правило, изображали богинь, таких как Венера или Афродита.

Мане же нарисовал обычную женщину легкого поведения, и он стремился изображать женщин не как бессмертных небожителей, а как вполне смертных и материальных существ. Но картину ассоциировали с проблемой необузданной проституции, с которой Франция столкнулась в то время. Когда полотно было представлено жюри Парижского салона 1863 года, оно было встречено насмешками и критикой. Картину Мане отвергли, поскольку ее смысл был полностью неверно истолкован.

3. Олимпия

Картина «Олимпия», худ. Эдуард Мане.

Очень похожая на «Обед на траве», «Олимпия» Мане также изображает обнаженную проститутку, и поэтому она немедленно столкнулась с критикой и отвращением со стороны арт-сообщества. Женщина на полотне смотрит прямо на зрителя самым «бесстыдным и сексуальным образом». Критики предпочли полностью игнорировать настоящие темы, которые хотел передать Мане, рисуя реалистичные парижские сцены.

Фактически, они были настолько поглощены игнорированием намерений Мане, что почти не замечали на картине присутствия темнокожей служанки, которая, как считается в наше время, создает контраст света и темноты. Но Мане просто не мог убедить современное ему общество в своих истинных намерениях.

Акварельные рыбки. Автор: Ching Keck How.

Используя традиционную китайскую технику живописи, сингапурский художник Чин Кек Как (Ching Keck How) создаёт нежнейшие акварели на рисовой бумаге. Естественные цвета, лёгкие линии, прозрачные мазки и, казалось бы, простые образы: воробьи на ветках бамбука, карпы и сомы в зеленоватых водах древнего пруда – всё это (по китайским поверьям) приносит в дом изобилие, плодородие и благополучие.

Традиционная китайская живопись символична и иносказательна. И если картины европейских художников зритель привык рассматривать, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Стараясь передать сущность предметов, лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнув все её тайны, китайские живописцы вкладывали не только душу в каждую работу, но и нескончаемый поток мыслей, чувств и знаний. Вот и работы Чина – короткие истории, рассказывающие о поверьях и традициях древнего народа.

Сомы в пруду. Автор: Ching Keck How.

Синие птички - вестники удачи. Автор: Ching Keck How.

Воробьи. Автор: Ching Keck How.

Воробей – символ человеческой привязанности, плодовитости и изобилия. Автор: Ching Keck How.

Иван Славинский - современный известный русский художник

Петербургский художник, владелец галереи «SLAVINSKY PROJECT» - Иван Славинский, по мнению критиков, считается одним из самых дорогих современных русских художников. В этом обзоре рассказ о том, как происходило его становление, поиск своего почерка в живописи и, конечно, картины этого замечательного мастера.

Город на закате дня. Автор: Иван Славинский

Иван Славинский родился в 1968 году в Ленинграде. Отец - художник-баталист Дмитрий Обозненко передал по наследству сыну художественный дар живописца. В 5-летнем возрасте мальчик уже хорошо владел карандашом и красками. Первые навыки в изобразительном искусстве Иван получил в художественной школе при Академии Художеств. Отец очень критично относился к первым работам сына. Но вскоре начал доверять Ивану прописывать на краешках своих полотен небольшие детали. А позже понял – сын очень талантлив, и сам может творить.

Огни ночного города. Автор: Иван Славинский

В период становления молодого художника его относили то к реалистам, то к постмодернистам, то к сюрреалистам: очень сложно было, глядя на ранние работы Славинского, сказать, что это рука одного и того же мастера. И лишь спустя годы, собрав воедино на полотно все эти стили и техники искусства, он создал свою манеру, свой неповторимый уникальный почерк.

Зима. Автор: Иван Славинский

На первой своей выставке в 1991 году, устроенной в галерее «Товарищества Свободных Художников», Иван был признан и зрителями, и художественными критиками. Обладатель уникального живописного таланта сразу же стал известным и узнаваемым в городе на Неве, а позже и в самой Москве.

Натюрморт с парусником. Автор: Иван Славинский

Однажды, поехав с женой по 4-дневной туристической визе во Францию на новогодние праздники, задержался там на целых десять лет, из них почти 2 года жил с просроченной визой. Первое время они с женой гостили у друга в крошечной комнатушке с видом на Эйфелеву башню. Потом жили на неоконченной стройке, ночуя на нарах, сколоченных из досок.

Парижанка. Автор: Иван Славинский

Художник постепенно начал зарабатывать на жизнь живописью: сдавал на реализацию свои работы в небольшую галерею. Как оказалось, хозяйка этой галереи хорошо знала творчество художника - видела его работы на Невском. Сотрудничество было плодотворным и приносило деньги. Супруги смогли даже снять небольшую квартиру. Воодушевленный художник начал писать в разных стилях, что сразу же стало непонятно наивным французам: как это возможно, чтобы живописец мог одновременно писать в нескольких техниках. Так уж работы Ивана по манере и стилю были различны между собой.